2026年7月5日，“2026年造型艺术与科技媒介国际教育研讨会”在广州美术学院昌岗校区举行。来自法国、意大利、日本、奥地利、德国等多国艺术院校的院长、国际策展人与前沿实验艺术家，与国内多所美院的学者齐聚一堂，围绕当代艺术教育、数字策展、生态共域、数字媒介材料四大核心议题，展开了一整天高密度的跨国界、跨学科对话。

当生成式AI能在数秒内生成高度成熟的图像、自如驾驭历代艺术风格，当数字孪生、VR/AR全面重塑展览形态，当算法语言渗透进创作的每一个环节，传统绘画、雕塑等造型学科的边界正在被快速改写。这场研讨会的核心追问直指行业本质：科技浪潮席卷之下，造型艺术教育的根基是什么？又该如何拥抱技术，打开新的表达疆域？

守住内核：AI时代艺术教育的“三个根本”

“凡是可以传授、量化、反复演练的创作能力，都正在失去它的稀缺性。”研讨会开场，广州美术学院院长范勃教授的主旨演讲《具身感知、审美判断、价值立场——人工智能时代造型艺术教育的三个根本》，为全天的讨论奠定了核心基调。

广州美术学院院长、教授范勃

在范勃看来，生成式AI的快速迭代，正在动摇过去一个多世纪以技艺训练为核心的艺术教育根基。但技术的本质是对既有经验的复制与优化，而非无中生有的创造。机器止步之处，正是艺术教育必须守住的三个根本。

第一个根本是具身感知。“人工智能是无身的，它能调取几个世纪的视觉积累，却不曾有过一次真实的凝视。”范勃用直白的对比点出核心差异：AI处理的是数据，而人以身体、情感与真实经验进入世界。数据可以无限逼近经验，却永远不是经验本身。艺术教育的第一要务，就是守护这种鲜活的感知，避免学生隔着屏幕与算法间接把握世界。

第二个根本是审美判断。AI可以一键生成上千张图像，却无法判断哪一张真正有艺术力量。创作的核心是选择与取舍，背后是对好坏、真伪、高下的分辨，这种判断力无法加速、无法跳过，更不能交给机器代劳。涵养独立的审美判断，让学生为每一次创作抉择负责，是人工智能时代艺术家最核心的竞争力。

第三个根本是价值立场。价值立场是创作者对世界的根本态度：关切什么、为何表达、为谁发声。AI可以模拟任何立场的语汇，却不承担其中的分量。“一件真正有力量的作品，背后必然站着一个真实的人。”艺术教育的深层使命是帮助学生确立自身的价值坐标，明白自己为何而创作。“技术日新月异，而创作的主体始终是人。”人工智能开启的是人机共创的关系，而非取代与被取代的对立。

多元答卷：全球院校的转型实践样本

技术浪潮之下，不同国家的艺术院校走出了各具特色的转型路径，从理论建构到课程改革，从学科建制到生态搭建，为造型艺术的数字化转型提供了多元参照。

法国阿维尼翁高等艺术学院院长伯努瓦?布鲁瓦萨特

法国阿维尼翁高等艺术学院院长伯努瓦?布鲁瓦萨特从符号学视角重新定义了数字的价值。他提出，数字不只是创作工具，更是一种全新的“符号形式”，其影响力堪比历史上的透视法发明、工业革命，会从根本上重塑人类的感知方式与社会关系。结合巴黎圣母院数字孪生修复、殖民时期文物数字化保护的案例，他指出数字技术既为文化遗产保护提供了1:1复刻的可能，也带来了人文命题的拷问：修复不能只讲技术逻辑，更要尊重原生文化的话语权，把原住民的经验纳入修复体系。“数字是工具，更是象征。艺术教育要培养学生的批判性精神，以艺术家的思维驾驭技术，而非被技术逻辑裹挟。”

日本横滨美术大学校长 加藤·良次教授

日本横滨美术大学则走出了一条“从基础渗透到专业深耕”的渐进式改革路径。校长加藤?良次介绍，依托日本从小学到高中的信息教育普及政策，学校为一年级全体学生开设数字表现课程，让所有学生建立数字创作的基础认知。2026年，学校正式设立信息设计专业，配套网页设计、UI/UX、游戏策划等课程，引入《最终幻想》策划师等行业一线从业者授课，推进产学合作项目，“信息设计的价值，是提供世界上原本不存在的服务，改变人们的生活。”

中国美术学院跨媒体艺术学院学术委员会主任 管怀宾

国内院校中，中国美术学院跨媒体艺术学院的建设历程颇具代表性。学术委员会主任管怀宾回顾，国美从2000年成立国内首个新媒体艺术研究所起步，2010年率先整合资源成立跨媒体艺术学院，提出“从媒体中发掘创意，从技术中彰显人文”的宗旨。学院下设开放媒体系、媒介展演系、实验艺术系，配套五个研究所与国家级实验平台，打造了“国际跨媒体艺术节”“感受力论坛”等学术品牌。教学上采用“半年基础课+三年双向选系”模式，通过柔性引入外部师资、联动社会前沿项目，保持教学内容的鲜活性。“跨媒体教育不是教学生用新技术做旧表达，而是要重启思想能源，让技术服务于艺术表达与社会思考。”

广州美术学院绘画艺术学院副院长、油画系主任刘可

广州美术学院油画系则构建了“国际共域”的教学生态。绘画艺术学院副院长刘可介绍，学院跳出“传承式”“颠覆式”的传统教育模式，转向“艺术机制生产”的路径，让师生成为当代艺术生态的参与者与建设者。课程体系分为观念认知、专业核心、前沿技术、交叉实践四大板块，形成动态平滑的教学系统；配套艺术研究与技术创新、数字艺术科技、材料创作三类实验室，同时搭建从各工作室展廊到6平方米的“腾挪空间”，再到顺德、松山湖盒子美术馆的分布式展览网络。国际艺术家不再只是短期授课的访客，而是能在中国完成自身创作逻辑的合作者，在真实的艺术机制中与学生共同成长。

策展破局：从单向叙事到共建生态

数字技术不仅改变了创作方式，也全面重塑了展览的叙事逻辑与行业生态。从实体展厅到虚拟空间，从策展人独掌话语权到全民参与内容生产，策展行业正在经历一场范式革命。

广州美术学院艺术与人文学院院长 胡斌

广州美术学院艺术与人文学院院长胡斌，以青年艺术家创作生态为切口，梳理了数字媒介带来的三重变化。其一，新媒介展览从边缘走向主流，从2008年首届国际新媒体艺术三年展，到2024年全国美展首次纳入数字艺术板块，VR、AI生成、互动装置早已成为展览常客。其二，传统媒介也在回应数字时代，当代绘画中出现的“电子色”以平滑的屏幕质感呼应数字视觉经验，正是传统媒介对技术时代的自觉回应。其三，传播媒介重构了整个艺术生态，小红书、短视频平台不再只是宣传渠道，而是集创作、发布、交易、社群于一体的生产空间，“创作与传播融为一体，甚至传播本身也成了作品的一部分”。胡斌最终抛出AI时代的终极追问：当AI的“幻觉”堪比人类的说谎，当情绪可以被基因编码，艺术的主体性边界究竟在哪里？

国家级人才项目入选者、著名策展人、意大利卡拉拉美术学院教授 法比奥·卡瓦卢奇

意大利策展人法比奥?卡瓦卢奇则从策展史的源头出发，提出了数字策展的全新范式。他追溯现代策展起源于拿破仑时代：启蒙理性之下，策展人如同制图师，为作品分类、设定观展路径、构建权威叙事，观众是被动的接收者。而早期数字展览大多只是复刻实体展厅，体验生硬单调，完全没有发挥数字媒介的优势。

“数字时代，每个用户都是活跃的个体。”法比奥打造的虚拟现实策展平台“Institution”构建了一张“持续生长的文化认知地图”，所有艺术品、文章、影像都在虚拟空间中拥有坐标，主题相近的内容自动聚拢，领域不同的内容自然分隔。平台向经认证的学者开放内容上传权限，所有内容都经过学术审核，既打破了单一策展人的话语垄断，又避免了社交媒体的信息碎片化。“未来的策展人不再是秩序的制定者，而是信息海洋的导航者。策展不再是一次性的静态规划，而是动态生长的共建生态。”

独立国际策展人 顾振清

独立策展人顾振清提出了“双重去中心化”的判断。第一轮是地理去中心化：他通过在蒙古、埃及、巴西等全球南方国家的策展实践，推动当地艺术家摆脱工艺品创作路径，进入国际当代艺术体系，打破欧美中心的艺术话语。第二轮是物理去中心化，由区块链、AI等技术推动，数字艺术形成了独立体系，哈希值成为数字时代的艺术新材质，算法生成艺术让创作从审美领域延伸至金融、社交、经济领域。他以艺术家Pak的《吞并》、达明?赫斯特的《货币》为例，说明数字技术正在重新定义艺术的材质、形态与价值逻辑。“面对技术变革，当代艺术需要突破中心化的体制惯性，在去中心化的浪潮中找到新的出口。”

向内溯源：“低科技”创作理念守护主体性

技术越向前迭代，越需要回到艺术的本初。下午场的研讨会上，几位嘉宾不约而同地在“高技术”语境下提及“低技术”创作理念的回潮，形成一组耐人寻味的观点对照。

广州美术学院特聘教授克劳德?洛蒂埃深耕透视研究30余年，是反向透视理论核心奠基人，近年主攻VR虚拟空间透视、元宇宙视觉逻辑研究。现场，他反驳了“透视是一种幻象”的经典论断。在他看来，透视并非割裂人与世界的发明，而是可通过身体直观验证的视觉规律。“透视是纯粹的几何抽象，中立且普适，它剥离了文化与情感的附加属性，适用于所有场景与所有观测者，因此它至今没有过时。”

广州美术学院特聘教授、国家级人才项目入选者 克劳德·洛蒂埃

华中师范大学美术学院院长郑达带来了“智能体艺术”的前沿实践。他的实验室里，两个AI驱动的机械装置互相观看、互相学习，艺术家从作品的控制者，变成了人机关系的协调者。他提出“低科技（Low Tech）”创作理念，用低成本、易获取的材料自主训练小模型，不依赖商业大模型，最大限度保留创作主体性。针对AI“黑箱”的不可解释性，团队通过极端参数调试、人机协商互动，让AI艺术从“结果审美”转向“过程审美”。他还在教学中推广“Vibe Coding”工作流，借助商业智能体快速生成创作原型，让学生掌握“AI生成-验证-复现-优化”的完整链路。“AI的结果不是答案，是需要被验证的假设。熟练掌握这套方法，一个人就能顶一个小团队。”

华中师范大学美术学院院长 郑达

法国艺术家希里尔?贾顿则把目光投向了工业遗产的生态重塑。他带领学生将废弃煤矿筒仓改造为生态艺术空间：在积水洼地上修建池塘，引入水力装置与水生植物，把曾经消耗能源的工业设施，变成展现能量循环的生态系统；用AI辅助场地分析，让废弃遗址重获生机。他的课堂上，学生不用传统画笔，而是用气候数据作画；用热致变色颜料，让温度升高时显露出干裂的土地纹理；借助热成像技术，呈现人体与环境的热量交换，让肉眼不可见的能量流动变得可视。“技术不只是用来创造奇观的，它可以让生态议题变得可感、可触。”

法国阿维尼翁高等艺术学院教授 希里尔·贾顿

回到绘画本体，湖北美术学院实验艺术学院院长唐骁用一场名为《没有矛盾就没有世界》的展览，回应了技术与艺术的关系。他以海事信号旗为创作媒介——这套前数字时代的编码系统，和算法共享同一套逻辑：用有限符号的排列组合生成无限意义。唐骁提出，艺术教育者要做引航员，在传统与技术、已知与未知之间导航，而不是给出标准答案。“艺术家是AI时代的语料提供者，如果人类完全依赖AI创作，经过几代迭代，人的独创性就会被慢慢稀释。”

湖北美术学院实验艺术学院院长 唐骁

乌克兰艺术家奥列克西?科瓦尔则从神经科学视角，给出了绘画不可替代的硬核论证，并重新诠释了传统绘画的核心——节奏。他指出，绘画之所以“不自然”却必要，是因为它能够保持预测误差的开放，将这种误差传递给观众，带来“超越预期的审美颤栗”，从而产生最强的多巴胺触发。“AI生成的本质还是图像，它可以复刻所有风格，却给不了真正的预测误差。这就是绘画永远不会消亡的原因。”

乌克兰艺术家、湖北美术学院客座教授 奥列克西·科瓦尔

旅居日本的艺术家王晓鸣分享了更具温度的实践。她三十余年坚持用抽象绘画转译古典音乐，自制手工纸张，融入砂、矿物等综合材料，以厚重肌理承载音乐的情绪。2019年，她首次尝试跨界，将肖邦夜曲的绘画作品做成VR沉浸式作品《邂逅肖邦》，观众戴上设备，就被笔触、色彩与琴声全方位包裹。展览现场观众排起长队的场景让她确信：科技可以延伸艺术的疗愈边界。“艺术和科技不用较劲，能‘一拍即合’就好。技术是载体，人的情感与疗愈才是内核。”

艺术家、策展人、日本美术家联盟会员 王晓鸣

奥地利维也纳应用艺术大学教授 卢修斯?伯恩哈德

奥地利维也纳应用艺术大学的卢修斯?伯恩哈德教授，则提出了更宏观的“实验室即艺术基础设施”的教学理念。他把数字艺术分为三层：表层是可见的作品，底层是芯片、能源等硬件，中间的平台、协议、规则组成的“编排层”才是核心，却长期被艺术教育忽视。他强调，艺术教育的重点不在于教学生使用什么工具，而在于帮他们建立起一种“前实验性”的条件和环境——在没有人知道结果会怎样的状态下进行探索。“基础设施的规则正在快速固化，在它被完全锁定之前，我们要引导学生参与讨论，保持对技术的批判性治理。”

共识：在矛盾共生中重构教育生态

全天研讨的两场圆桌论坛，将讨论从实践经验推向了生态建构。围绕产教融合、大规模艺术教育、技术焦虑、人才培养等现实议题，嘉宾们碰撞观点，形成了诸多共识。

针对艺术教育向设计教育的转向，嘉宾们普遍认为，艺术与设计并非先后过渡的关系，自古就是一体两面。二者的核心差异在于服务场域不同，但底层逻辑相通，都需要构建有效的知识系统，回应真实的社会问题。设计教育尤其要避免闭门造车，深度对接产业一线，让创作在真实场景中接受检验。

圆桌论坛

针对国内八大美院“万人美院”的大规模教育难题，广州美术学院教务部部长涂渊介绍了“大通识教学改革”的探索：本科一年级打破专业壁垒，以“6+2”课程体系完成价值启蒙、创造力启蒙、数字通识与社会调研，培养学生的整体性认知。嘉宾们一致认为，大规模教育更要守住批判性思维的培养，不能陷入技术工具的流水线教学；同时要搭建更多真实实践场景，让学生在问题中学习，在项目中成长。

针对普遍存在的“技术焦虑”，嘉宾们给出了共同的答案：使用AI工具无需有耻感，真正的核心竞争力，从来不是会不会用某个软件，而是具身的独特体验、独立的审美判断、系统的价值表达。技术普及拓展了艺术的边界，却不会消解专业艺术家的价值。

研讨会最后，广州美术学院绘画艺术学院院长郭祖昌在闭幕致辞中总结道：“科技媒介对造型艺术的重塑，不是简单的工具升级，而是认识论层面的深层重构。越是外部变化剧烈，内在的坚守越珍贵。”

这场研讨会没有给出唯一的标准答案，却勾勒出了清晰的方向：艺术与科技不是对立的两端，而是在碰撞、矛盾、共生中，共同拓展人性的边界。当画笔遇见算法，当画布延伸向屏幕，最终的落点，永远是那个会凝视、会思考、会为世界动情的人。

刘可（广州美术学院绘画艺术学院副院长、油画系主任）

以“共域”生态，打开数字时代艺术教育的新可能

研讨会举办期间，广州美术学院绘画艺术学院副院长兼油画系主任刘可接受了南都专访，围绕数字时代的艺术教育转型、国际合作落地路径等核心话题，分享了广美油画系的实践探索与行业思考。

南都：本次研讨会选择在2026年发起，举办的核心初衷是什么？意在回应当下国内艺术高等教育领域哪些亟待回应的时代命题？

刘可：本次研讨会源于筹建“国际共域”工作室过程中的重要步骤。我们希望将研讨会作为一种学术机制，与展览、工作坊、日常教学等机制形成联动，把全球范围内各领域深耕一线的实践型艺术家与学者整合进来，让优质教学资源真正落地学院，系统性重塑未来的教学模式。

到场嘉宾大多与我们有长期、持续的合作基础，其中包含两位国家级人才项目特聘教授，合作形式覆盖展览策划、工作坊教学、美术馆项目等多个维度。将这些顶尖学者集中起来，核心目标是推动教学体系的迭代升级。

当下国内艺术教育面对数字技术浪潮，整体仍偏于被动应对，缺少主动建构的意识与能力。而这些国际学者都形成了适配数字时代的完整思想逻辑，能为我们提供更深层的参照。我们希望借由国际合作诞生一个崭新的群体，它既不复刻西方已有的模式，也不守着国内现有的路径，而是想通过不同体系的交错，生成一种新的艺术与思想生产机制，建构属于未来的艺术现场，而非停留在对已有艺术产品的复制。

南都：研讨会上，法国阿维尼翁高等美院的文物修复案例、日本横滨美术大学的应用设计教学等不同面向的实践……他们为你带来了哪些启发？

刘可：我们与阿维尼翁高等美院的合作已有20年，这次他们分享的“创造性修复”理念，对我启发很大。国内当下谈论的修复更多停留在技术层面，讨论如何将物件恢复原貌；但他们的修复逻辑是先追问“为什么要修复”——人的精力是有限的，修复必须能产生新的价值，而这种价值必然诞生于对现有模式的批判之上。

再比如卢修斯?伯恩哈德教授的分享，他引导我们思考：在创作的表层形态与底层本质之间，创作者真正要把握的是什么？核心是先想清楚什么是有价值的事，带着清晰的问题意识出发，才能触碰到真实的问题，产生真实的行动力。长期和这些国际学者合作的过程，也是我不断调整自身认知、推动教育与创作革新的过程。他们的价值不在于提供现成的答案，而在于帮我们建立更深入的思考方式。

南都：当前AI、VR等数字技术快速渗透艺术创作，不少艺术院校都开设相关专业。在你看来，科技如何重塑了艺术人才培养的底层逻辑？广美油画系在课程与培养方案上做了哪些转型探索？

刘可：我始终认为，基础层面的技术操作不是艺术院校的核心教学内容。数字工具就像手机、电脑一样，使用者在日常应用中自然就能掌握，就像当年没人专门教大家用手机，但所有人都能快速适应。如果把基础技术教学当成核心，反而会消解艺术学院的真正价值。

技术只是表达的基础语言，就像诗歌的魅力从来不是因为单个词汇优美，而是词汇在语境中形成的整体张力。真正的艺术价值，是在特定语境下创造新的生活情境、塑造新的感官生活。

这里可以用照相机发明的历史作类比。摄影术出现后，创作者大致分成三类：第一类是“画照相机”，单纯描摹技术带来的新视觉，这类创作者最终大多被淹没；第二类是“用照相机辅助画画”，比如法国19世纪末艺术家德加借助摄影捕捉人物形态，技术只是辅助工具；第三类是“用摄影的观念去创作”，比如印象派，他们借由摄影重构了观看方式，最终开创了一个全新的艺术时代。

今天面对AI，逻辑是完全一样的。我们不反对技术，而是要建立批判性的关联。广美一年级课程已经纳入了数字生成相关内容，但我们的导向不是教学生怎么用工具生成画面，而是引导他们思考：如何借由AI的逻辑，去创造下一轮新的生活方式与语义结构。

AI的出现，让简单的复制性创作彻底失去了价值。一个现成的语境，几秒内就能被复制无数次。因此艺术家的核心价值，就是不生产冗余、不做重复复制，而是在整体的社会结构、语义结构中做创造者。这也是我们人才培养最核心的转向。

南都：本次研讨会搭建了中外艺术教育的对话桥梁，未来广美是否会依托交流成果，落地国际联合教研、师生交换、联合创作等项目？如何将研讨的思想成果转化为可落地的教学改革方案？

刘可：其实这场研讨会本身，就是我们已有国际合作体系的一部分。比如卢修斯?伯恩哈德教授的展览，目前正在我们运营的松山湖盒子美术馆展出；乌克兰艺术家奥列克西?科瓦尔的个展，也计划于今年12月亮相。

这些国际学者不是以“知识传授者”的身份短暂到访，而是把中国作为自身的创作语境，真实地在地工作、在地创作。只有深度融入同一个创作系统，才能产出真实、有价值的成果，而非单向的援助或灌输。

我们最终要构建的是“生态共域”：整个系统是动态发展的，既带动师生个体的成长，个体的创作也会反哺系统，形成良性的机制生产。任何成功的教育，本质都是模式与观念的成功；只有模式成立，每个身处其中的人——从学生到教师——才能找到属于自己的创作路径，持续激发创造力。

未来我们会持续推进联合教研、驻留创作、展览联动等多元合作。我一直认为，今天的创作者都是“超级个体”，个体之间的资源差异，恰恰是合作的基础。过去我们缺资源，后来有了资源但缺认知，现在认知、资金、平台等条件都已具备，完全有条件把全球顶尖的学者吸引进来，让前沿的创作与教学语境持续在广美发生，让广美与全世界这些知名艺术院校并肩、形成自身的国际影响力。

衡量一所院校的行业地位，从来不是看规模和人数，而是看你做成了什么事，在行业生态里有怎样的影响力，创造了哪些新的东西。站在更长的时间维度看，我们正在创造一段具体的历史。艺术的活力永远来自差异：要和过去不同，要在未知中生成新的确定，在确定中保持怀疑，在怀疑中完成解构，再在解构中持续推进。只有不断打破固化，才能保持强大的生命力。

南都：广美扎根岭南文化土壤，你认为应如何依托在地文化语境，走出艺术教育的独特发展路径？

刘可：我在广东生活了30年，在我看来，岭南文化最核心的特质从来不是某种固化的地域风格，而是包容之下的生动性。同一片土壤里，极其保守与极其先锋的状态可以同时存在，大家尊重彼此的选择，这种多元共生的力量，远比僵化的文化惯性更有生命力。

到了今天，“环境决定论”的影响已经越来越弱。交通和资讯的高度发达，让地域的边界被淡化了。艺术家无论相隔多远，只要认知相近就能形成紧密的联结 。认知共识才是一个系统成立的核心基础。我们今天搭建“国际共域”的教学体系，本质就是在推动新的认知共识下的生态建设。

学校本身是相对安稳的环境，很容易滋生固步自封的倾向。因此我们会主动去消解系统内的冗余与僵化，保持开放的姿态。岭南文化的包容底色，恰恰是我们做这件事的天然土壤。

采写：南都N视频记者朱蓉婷

“广州与上海，一依南海、一临东海，两座因海兴盛的港口城市，皆具备向海而生、兼容并蓄的文化传统。”上海大学博物馆馆长李明斌说，广东外贸一千年的海风，吹过珠江，也吹过黄浦江。文物从广州来到上海，是重逢，也是延续。